Recuperación 1º evaluación.

Para recuperar la 1º evaluación hay que presentar todos los trabajos de la evaluación antes de que termine enero.

La nota de la recuperación dependerá de la calidad de los trabajos.

Trabajo Publicidad. 2º evaluación.

Trabajo individual 2º evaluación:

El trabajo se basa en la creación de un logotipo y su uso en un anuncio.

A continuación os dejo un enlace, a partir de la diapositiva numero 4 explica el proceso aproximado que seguiremos semana a semana para crear el logotipo.

http://www.slideshare.net/primereso/logotipos

La entrega de los trabajos semanales se hará los Jueves.

Primero seleccionaremos 3 empresas para las cuales haríamos nuestro logotipo.Se deberá hacer un estudio de mercado de las misma, reflejando:
Características del consumidor potencial del producto.
Ratio de edad al que va dirigido el producto.
Dinero que costará.
Como es la empresa que lo fabrica ( grande o pequeña, localización, etc)
Estudio del mercado de competidores.
Eslogan.
Desechar 2 y quedarse con una empresa y un producto.

1º semana: Creación de 20 bocetos diferentes  diez que sean dibujos y otros diez basados en la letra de la marca ( tormenta de ideas).

2º semana: Seleccionar 3 sobre letras y hacer 3 variantes de cada uno. (total 9)

3º semana: Seleccionar 3 sobre dibujos y hacer 3 variantes de cada uno.(total 9)

4º semana: Seleccionar los 3 mejores de letras y los 3 mejores de dibujo y crear 10 combinaciones.

5º semana: Seleccionar 3 pasarlos a limpio y hacer con cada uno de ellos 3 pruebas en blanco y negro.(total 9)

6º semana: Seleccionar el boceto definitivo en blanco y negro, a partir de él hacer 10 versiones del mismo en color.

7º semana: Seleccionar el boceto definitivo en color escanearlo y retocarlo en Photochop.

8º semana: Componer 3 anuncios con material sacado de Internet sobre la empresa, incorporando el logotipo, un eslogan y todo lo relacionado con su identidad corporativa.

2º evaluación LOGOTIPOS.

LOGOTIPOS.

El logotipo (vulgarmente conocido como logo) es un elemento gráfico que identifica a una entidad ya sea pública o privada. Los logotipos suelen ser puramente gráficos incluyendo símbolos o iconos así como también pueden estar compuestos por el nombre de la corporación con una tipografía especialmente diseñada para representar a la misma.


Reglas para un logotipo perfecto:

Crear un logo para una marca puede ser una tarea realmente abrumadora, pues hay que tener en cuenta múltiples variables y hay que ser capaz de tomar las decisiones correctas en el momento adecuado. No hay ninguna fórmula secreta para crear el logotipo perfecto, pero sí unos cuantos trucos para intentar tener a las musas de las creatividad de nuestra parte. Design Taxi desgrana a continuación algunos de ellos:


Un logo bonito no es nada si no comunica realmente la esencia de sus negocio. En este sentido, la primera tarea del diseñador de un logotipo es investigar y tener una idea muy clara del mensaje que quiere transmitir. De lo contrario, es muy probable que su trabajo termine naufragando.

Eche un vistazo a los logos de la competencia. Elija unos cuentos logotipos que funcionan y otros cuantos que sean, por lo tanto, totalmente equivocados. Esto les ayudará a tener una buena base sobre la que realizar su diseño. Tenga además en cuenta que no se trata de copiar sino de inspirarse en lo que otros han hecho antes.
Si contrata un diseñador, asegúrese de que le entrega un briefing detallado de lo que desea. Proporcionarle información específica le ayudará a llevar su trabajo a buen puerto.

Piense de manera atemporal. Si elige un tipografía para su logo que está de moda, puede que el logo luzca moderno durante un tiempo, pero corre también el riesgo de que se quede anticuado en unos pocos años. Tome como ejemplo el logotipo de Coca-Cola. Fue diseñado en 1886 y más de un siglo después sigue funcionando porque se es atemporal.
No necesita una imagen o icono para su logo. El texto puede ser el único ingrediente de su logotipo.
Tenga en cuenta que su logotipo se difundirá en multitud de materiales: tarjetas, flyers, vallas publicitarias, camisetas, etc. Asegúrese de que el logotipo luce bien en todos los soportes.

No se olvide de comprobar cómo queda el eslogan de su marca junto a su logotipo.



Impossible is nothing (Adidas)
El algodón no engaña (Tenn)
Rexona no te abandona
Papillas Puleva, me va, me va, me va
Ni gota ni gota (Dodotis)
1880, el turrón más caro del mundo
Busque, compare y si encuentra algo mejor, cómprelo (Camp)
Coca cola es sentir de verdad (Coca Cola)
Bic naranja escribe fino, Bic cristal escribe normal, Bic, Bic, Bic Bic Bic
Somos los conguitos… (Conguitos)
Probablemente, la mejor cerveza del mundo (Carlsberg)
Un poco de pasta basta, Gior (Gior)
Si un extraño te regala flores… eso es Impulse (Impulse)
Nespresso… what else?
Hoy me siento Flex
El fresco del barrio (Bimbo)
Un, dos, tres, picadora Moulinex
Evax, fina y segura
Ariel, lava más blanco
No se nota, no se mueve, no traspasa (Evax)
What’s up (Budweiser)
Don’t touch my Breil (Breil)

Un gran logo será bueno tanto en blanco y negro como en color.



Recuerde que no debe imitar a otros. Su marca es única y su logo debe representar esa carácter único.
Una vez diseñado, no se olvide de utilizar su logo. Intégrelo en todo aquello que pueda para que la gente se familiarice con él.



 Logotipos

30 logotipos con mensajes ocultos:
http://www.marketingdirecto.com/actualidad/publicidad/30-logotipos-con-mensajes-ocultos-cuando-la-publicidad-se-lee-entre-lineas/

Tendencias para los logotipos en el 2013

http://www.marketingdirecto.com/especiales/recopilatorios-2012-tendencias-2013/10-tendencias-de-diseno-de-logotipos-que-despegaran-en-2013/

Mejores logos del 2012
http://www.marketingdirecto.com/actualidad/tendencias/%C2%BFquiere-poner-cara-a-los-mejores-logos-del-ultimo-ano/

EVOLUCIÓN DE 25 LOGOS DE GRANDES MARCAS:

009 EVOLUCIÓN DE LOS LOGOTIPOS DE GRANDES EMPRESAS from Ángel Padrón Hernández

https://www.slideshare.net/julietaandrea/qu-es-logotipo?next_slideshow=1

https://www.slideshare.net/gsaning/logotipo-ppt?qid=8d20e548-984e-4f9a-9d99-054866c23df1&v=&b=&from_search=2
http://www.marketingdirecto.com/actualidad/anunciantes/la-evolucion-de-los-logos-de-25-grandes-marcas/




Diferencias entre marca, logotipo y símbolo:

http://www.risingdodo.com/2011/03/diferencias-entre-marca-logotipo-y-simbolo/

Diferentes videos sobre logotipos y marcas

http://www.slideshare.net/enplastica/el-lenguaje-visual-6950820

http://www.slideshare.net/Grandecovian/la-contrapublicidad

DOCUMENTALES SOBRE LA PUBLICIDAD:

http://www.puromarketing.com/44/26812/mejores-documentales-sobre-marketing-publicidad-espanol-deberias-conocer.html

TRABAJO 1: ANIMACIÓN Stop Motion. 2º evaluación.

ANIMACIÓN TRADICIONAL:

El Dibujo Animado es una secuencia visual o audiovisual si se le añade sonido, de animación que se obtiene dibujando a mano cada uno de los fotogramas que la constituyen, lo cual genera la secuencia, es decir una representación de imágenes en movimiento.

Desde que las tres dimensiones se desarrollan cada vez más en el cine y la televisión, a los dibujos animados, que son tradicionalmente en dos dimensiones, se les empieza a llamar también animación 2D, animación tradicional o animación clásica.

En la época antigua la creación del dibujo animado era tradicional y por lo tanto realizada a mano hoy por hoy y con la ayuda de la tecnología se puede realizar este tipo de animación en computadora.

Stop Motion

El Stop Motion es una técnica que ya se usaba en los comienzos del cine y que en un principio se usaba para añadir efectos especiales a las películas. Esta método de animación se basa en la toma de fotografías, fotograma a fotograma, principalmente de un objeto inanimado. De este modo se consigue que elementos estáticos adquieran vida.

La animación mediante este sistema no conlleva un único método. Pues existen múltiples variantes, puesto que se la considera una técnica artística y depende como tal del creador. Aunque su uso, es común en animaciones utilizando pequeños decorados y figuras de arcilla, también se puede utilizar con actores.

Tim Burton usaba esta técnica, tanto en su primer corto Vincent como en su obra Frankenweenie y os preguntaréis qué tiene esta técnica que aún se utiliza.

Pero conozcamos mejor las principales clases de Stop Motion para luego ver algunos ejemplos.

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=2_HXUhShhmY  Stopmotion

https://www.youtube.com/watch?v=8V6c6-qxvpk Stopmotion como hacerlo, Barcelona

http://graffica.info/stop-motion-master-bau/ Grafiti

http://vimeo.com/83910533 B E A U T Y - dir. Rino Stefano Tagliafierro

http://www.youtube.com/watch?v=IOu0DuxFAT0 In Your Arms - Kina Grannis

http://www.youtube.com/watch?v=cIH4MJAC2Tg  The Making Of "In Your Arms" (Stop Motion Animation)

https://vimeo.com/4862670 (Sorry I’m Late)

Hay muchas películas que usan el Stop Motion, aquí os dejo una pequeña lista de alguna de ellas:

Las aventuras del príncipe Achmed(1926)
La historia interminable(1984)
Pesadilla antes de navidad(1993)

Chicken run(2000)
La novia cadáver(2005)

Los mundos de Coraline(2009)

TRABAJO 5: ANIMACIÓN.
FOTOGRAFIANDO LAS HOJAS DE NUESTRO FOLIOSCOPIO LAS SUBIREMOS AL ORDENADOR, RETOCAREMOS SI ES NECESARIO, Y CREAREMOS MOVIMIENTO.

WEBGRAFIA:

https://animaticstechnology.wordpress.com/2015/08/27/animacion-tradicional-v-s-animacion-digital/

TRABAJO 7: Folioscopio.

TRABAJO 7 : Folioscopio. 

CONSISTE EN LA REALIZACIÓN DE UN FOLIOSCOPIO DE 40 HOJAS. ( A PARTIR DE 5 HOJAS DE FOLIO).

TEORIA:¿ Qué es un Folioscopio?

Un folioscopio (o filoscopio) es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. 

Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones.

Los folioscopios son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. 

En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. 

El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, por eso la forma normal de verlo es teniendo el folioscopio con una mano y pasando las páginas con el pulgar de la otra mano; por ello se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso.

01 ASCENSION from Wendy Marvel on Vimeo.

It's a hard dog's life from Maximilian Stengl on Vimeo.

¿ Cómo hacer un folioscopio?

http://es.wikihow.com/hacer-un-folioscopio

Ideas para crearlo:

https://es.pinterest.com/explore/animaci%C3%B3n-folioscopio/?lp=true

En 1868 John Barnes Linnet lo pantentó con el nombre de kineógrafo y fue la primera forma de animación que empleó una secuencia lineal de imágenes, evidentemente el formato del libro nos limita mucho, sin embargo las imágenes podrán adaptarse fácilmente.

TRABAJO 6: PRINCIPIOS DE LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA.

 TRABAJO 6: HAZ 10 FOTOGRAFÍAS CON LA SIGUIENTE TEMÁTICA:

• 2 FOTOGRAFÍA QUE PREDOMINE EL PUNTO.
• 
  
  
• 

  
  
• 2 FOTOGRAFÍA QUE PREDOMINE LA LINEA.
• 
  
  
• 2 FOTOGRAFÍA QUE PREDOMINE LA LEY DEL HORIZONTE.
• 
  
  
• 2 FOTOGRAFÍAS QUE PREDOMINE LA LEY DE LOS 3 TERCIOS.
• 
  
  
• 2 FOTOGRAFÍAS SIMÉTRICAS.
• 

TEORÍA:

Principios de la composición fotográfica de Laucecil

Las reglas de composición fotográfica de pedagogiameso_2013

TRABAJO 5: TIPOS DE ILUMINACIÓN.

TRABAJO 5: Hacer 9 fotografías con la siguiente iluminación:

1 Luz natural. Proviene del sol.

2 Luz artificial. Proviene de lámparas, rebotadores, flashes,… colocados y manejados por el fotógrafo.

3 Luz dura. Proyecta una sombra con bordes nítidos y muy definidos. Por ejemplo, fotografías tomadas con luz natural, con mucho sol, como a las 12 del mediodía.

4 Luz suave. Es una luz muy difusa que apenas proyecta sombras. Está producida por una fuente de luz muy extensa y de poca intensidad. Por ejemplo, fotografías tomadas en una habitación en donde haya un visillo o una cortina por donde entre la luz natural, o fotografías tomadas en un día nublado.

5 Luz frontal. Aplana el objeto, las sombras se proyectan duras, por detrás del objeto.

6 Luz lateral. La luz es muy dura, crea muchas sombras, y un lateral queda muy iluminado y el contrario no.

7 Contraluz. La luz se coloca detrás del objeto. Se fotografía la silueta, y se crea un gran contraste entre el fondo, que estará muy iluminado y el objeto, que estará oscuro. Para fotografía artística.

8 Luz cenital o picado. Luz colocada por encima del objeto. Produce sombras muy duras y verticales, creando zonas muy oscuras y zonas muy iluminadas.

9 Luz de contra picado. Luz colocada por debajo del objeto. Produce sombras antinaturales. Se consiguen fotografías misteriosas.

TEORÍA TIPOS DE ILUMINACIÓN:

Fuentes de luz y tipos de iluminacion de Eglis Nardoni

TRABAJO 4: TIPOS DE PLANO.

Trabajo 4: Debes realizar 1 fotografía original usando cada uno de los planos que hemos dado.

SON 11 FOTOGRAFÍAS EN TOTAL.

Hay que PRESENTAR EN CLASSROOM los planos de cine EN UNA PRESENTACIÓN con su nombre Y EXPLICACIÓN, las fotografía las tenéis que sacar vosotros, los planos a fotografiar son:

Encuadre

• 1 Plano general.
• 2 Plano conjunto. Varias personas.
• 3 Plano entero.Cuerpo completo.
• 4 Plano americano. Hasta las rodillas.
• 5 Plano medio.Hasta la cintura.
• 6 Plano medio corto.Hasta el pecho.
• 7 Primer plano.Hasta los hombros.
• 8 Primerísimo primer plano.Solo el rostro.
• 9 Plano detalle.Un elemento aislado.
• 10 Angulación picado.
• 11 Angulación contra-picado.

EJEMPLO DE TRABAJO:

http://www.slideshare.net/fatimadel/planos-en-el-cine

presentationhttp://www.slideshare.net/damianmartinbrito/planoscinematogrficos

PODÉIS USAR UN MUÑECO COMO MODELO, EMULANDO A LOS MUÑECOS VIAJEROS:

http://canalviajes.com/los-pequenos-viajeros-de-lego-alrededor-del-mundo/

TEORÍA:

https://www.solosequenosenada.com/misc/tipos-de-planos-cine/102_plano_general.php

https://abismofm.com/planos-cinematograficos/

    TIPOS DE PLANO.

Plano general (Long shot)

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Gran plano general:

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo

Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio (Medium shot)

Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio largo: encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.

Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.

Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

10 mejores planos de la historia del cine.http://cinemania.es/actualidad/noticias/7890/los-10-mejores-planos-de-la-historia

135 secuencias para recuperar nuestra fe en el cine:

Video: http://vimeo.com/45944121#at=0 

Pagina original con el nombre de todas las peliculas: http://www.filmin.es/blog/las-135-secuencias-mas-bellas-de-la-historia-del-cine

¿Los 105 primeros planos más bellos de la historia del cine?

Video: http://vimeo.com/46767459

Pagina original con el nombre de todas las peliculas: http://www.filmin.es/blog/los-105-primeros-planos-mas-bellos-de-la-historia-del-cine

Trabajo 3: El cómic.

Trabajo 3: crea un cómic DE MÍNIMO 25 VIÑETAS a partir de la historia y del estudio de personaje realizado.

Piensa en una historia corta y visual para llevar de tu mente al papel. 

El Cómic from Actimoliner Actimoliner

PLAN DE TRABAJO:

1- CREAREMOS UN GUIÓN PARA SABER QUE HISTORIA VAMOS A TRABAJAR, BUSCAR IDEAS CORTAS Y DE COSAS SENCILLAS.

2- CREA PERSONAJES FÁCILES DE DIBUJAR YA QUE LOS TENDRÁS QUE HACER VARIAS VECES.

3- DIVIDIREMOS EL GUIÓN EN VIÑETAS PARA SABER ASÍ QUE DIALOGO O DIBUJO PERTENECE A CADA UNA, TENEMOS UN MÍNIMO DE 25, LO IDEAL SERIA 4 HOJAS.

4- REALIZA EL CÓMIC, PARA ELLO PRIMERO DIVIDE LA HOJA EN VIÑETAS, DIBUJA CON LÁPIZ LA TRAMA Y AÑADE LOS BOCADILLOS DEL DIALOGO, SE CREATIVO A LA HORA DE BUSCAR ENCUADRES EN LAS VIÑETAS.

LA NOTA DEL TRABAJO DEPENDERÁ DEL NUMERO DE VIÑETAS, SU CALIDAD EN EL DIBUJO, EL GUIÓN Y SU ORIGINALIDAD EN PLANOS, PERSONAJES E HISTORIA. 

Primero lo hareis a lapiz y luego lo repasareis con rotulador para que no se vea, puedes estar coloreado en color  o en escala de grises, depende lo requiera la historia.

A CONTINUACIÓN DEJO LA TEORÍA DEL TEMA PARA QUE OS INSPIRÉIS Y SEPÁIS COMO HACERLO.

EL CÓMIC:

¿QUÉ ES?

Dentro de todos los géneros literarios que nos podemos utilizar para contar historias, uno de los más llamativos para los niños es sin duda las historietas o cómic. Es precisamente sobre esto de lo que hablaremos a lo largo de nuestra entrada de hoy, explicando los principales elementos de un cómic para que todo el mundo sea capaz de identificarlos.

Antes de meternos de lleno en ver los elementos de una historieta, es bueno que sepamos de lo que estamos hablando.

Un cómic se puede definir como un conjunto de texto y elementos gráficos que tienen como objetivo narrar una historia o idea.

De forma general, nos encontramos un personaje que suele ser el protagonista. Sobre él gira la historia y el resto de personajes.

Algunas características de los cómic son:

Se cuentan en viñetas. Se tratan de rectángulos cerrados colocados de tal forma que se leen de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo.

Las imágenes suelen representar lo que se narra en el texto que aparece en la viñeta.

Las frases de los personajes van dentro de bocadillos. Si hay algún resumen, este suele aparecer en un rectángulo en la parte inferior de la viñeta.

Veamos a continuación cuales son los principales elementos de un cómic.

Viñeta: Consiste en el cuadro que representa cada instante del cómic. De forma general, tiene forma rectangular. Se lee de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo.

https://pt.slideshare.net/lsendra/analisis-de-la-historieta/14

Dibujo: Los dibujos son los encargados de representar la historia. Tienen que ir dentro de las viñetas.

Bocadillo: Consiste en el espacio donde se escribe lo que piensan o dicen los personajes. Está formado por dos partes. La primera de ellas es el globo y en su interior va el texto. La segunda parte es el rabillo, que se encarga de señalar al personaje que está hablando.

La forma del globo significa cosas diferentes:

• El contorno en forma de nubes significa palabras pensadas por el personaje.
• El contorno delineado con tornas temblorosas, significa voz temblorosa y expresa debilidad, temor, frío, etc.
• El contorno en forma de dientes de serrucho, expresa un grito, irritación, estallido, etc.
• El contorno con líneas discontinuas indica que los personajes hablan en voz baja para expresar secretos, confidencias, etc.
• Cuando el rabilo del bocadillo señala un lugar fuera del cuadro, indica que el personaje que habla no aparece en la viñeta.
• El bocadillo incluido en otro bocadillo indica las pausas que realiza el personaje en su conversación.
• Una sucesión de globos que envuelven a los personajes expresa pelea, actos agresivos.
• El globo con varios rabillos indica que el texto es dicho por varios personales.
• Cuando se trata de un aparato electrónico, el globo está en zizzag.

Texto: Consiste en la parte escrita de la historieta. Se puede utilizar algunos recursos para saber en cada momento la forma en la que lo está expresando. Por ejemplo, utilizar mayúsculas puede significar que está gritando. También es capaz de señalar movimiento y distancias especiales.

Cartela: En este caso, se está haciendo referencia a la parte de la historia que cuenta el narrador. Suele estar escrito dentro de recuadro en la parte superior de la viñeta.

Onomatopeya: Un recurso utilizado para la representación de un sonido. Puede estar dentro o fuera del bocadillo.

Metáforas visuales: Son gráficos que se usan para expresar contenidos relacionados con el funcionamiento psicológico o emocional de los personajes. Un ejemplo puede ser la aparición de una bombilla sobre la cabeza de un personaje para transmitir que ha tenido una idea.

Figuras cinéticas: Se trata de gráficos que se utilizan para dar la sensación de movimiento de los personajes y los diferentes objetos. Un ejemplo de esto podría ser una nube detrás de un coche.

Código gestual: Los gestos también son muy importantes a la hora de las historietas. Con ellos se pueden llegar a representar determinada información. Por ejemplo, el cabello erizado expresa temor.

Tipografía: Es decir, el tipo de letra. Generalmente se utiliza el tipo imprenta. Todo depende del personaje y el tono que quiera expresarse. En un grito las letras son mayúsculas o grandes, por ejemplo.

A CONTINUACIÓN OS DEJO DOS PRESENTACIONES QUE EXPLICAN LOS CONTENIDOS CON IMÁGENES:

ELEMENTOS DEL COMIC de fperezr

Tras conocer los elementos de UN CÓMIC, sólo queda que apliquéis lo que habéis aprendido y realicéis EL VUESTRO aplicando esa técnica.

SI TENÉIS ALGUNA DUDA ESTA A VUESTRA DISPOSICIÓN MI CORREO:

mvictoria.carpena2@murciaeduca.es

Trabajo 2: ¿CÓMO CREAR UNA HISTORIA?.

Trabajo 2: ¿CÓMO CREAR UNA HISTORIA?

Crea una historia utilizando al personaje que hiciste en la practica 1 como protagonista, primero haz un esquema con la trama ( como el que se ve a continuación), crea a los demas personajes ( secundarios, antagonistas, etc), escribe la historia final, tiene que tener como mínimo 2 folios de duración, por ultimo ponle título.

TEORIA

1- Escoge un tema en el que hayas pensado y decide si es interesante o no.

2. Debes saber el grupo de edad y público para tu historia. Si quieres dirigir tu historia a las personas menores, escribe sobre temas juveniles. Si tu grupo de edad son personas mayores, es mejor escribir acerca de tema más maduros.

3. Crea los personajes. 

Crea personajes interesantes y memorables. Se puede decir que los personajes son más importantes que el argumento. Incluso si al lector no le parece que el argumento sea especialmente interesante, es posible que siga leyendo la historia debido a los personajes que lo atraen o con los que se puede relacionar.

Los personajes deben tener una motivación clara y bien definida. Esta puede ser una necesidad, un deseo, un objetivo o simplemente un rasgo de la personalidad, pero debe quedar claro qué es lo que marca a cada personaje.

Trata de que tus personajes sean contradictorios o complicados de otra manera, pues esto los hará más realistas.

Recuerda que en la vida real nadie es siempre bueno o siempre malo, así que los personajes de ficción tampoco deben serlo.

Haz que tus personajes sean vulnerables en algún aspecto. Sea una vulnerabilidad física o emocional, cualquier tipo de sufrimiento o debilidad humana hace que sea más fácil relacionarse con los personajes.

Planea más características y motivaciones para cada personaje principal de los que incluirás de manera explícita en la historia. Simplemente saber qué es lo que hace que tus personajes estén contentos, tristes, asustados y demás puede influir sutilmente en la manera en que escribes sobre ellos.

4. Empieza a crear tu historia. Es muy importante que te guste:

a) Crea un argumento:

CONSEJOS PARA ESBOZAR UN ARGUMENTO:

Muchos autores novatos que escriben fantasía dependen demasiado en los elementos fantásticos de la historia y no le prestan atención a desarrollar primero la historia en sí. Sin embargo, antes de que puedas escribir una obra convincente de ficción fantástica, necesitarás todos los elementos de un argumento sólido y atractivo.

Por esta razón, podría ser útil elaborar al menos un esquema de estructura para que te ayude a seguir lo que sucede en tu historia y a quién.

Todos los argumentos deben tener algún elemento que ponga en marcha la historia. Podría ser un conflicto externo o interno, pero algo tiene que pasar para que la acción pueda avanzar.

b) Desarrolla el conflicto. Un buen conflicto es crucial si quieres escribir un argumento sólido para cualquier tipo de ficción. El conflicto motiva a los personajes, cataliza la historia y crea la tensión con la que el lector se identificará.

Una estrategia común es describir las motivaciones del antagonista que están en conflicto directo con las del protagonista. Esta técnica crea una tensión inmensa y permite que el lector se identifique más con el protagonista.

El conflicto puede suceder entre una persona y ella misma, dos personas o entre una persona y un concepto abstracto (sociedad, dios, dioses o diosas, entre otros).

c) Expande y desarrolla el argumento. Llenarlo con detalles vívidos y acontecimientos complicados te ayudará a que hagas que la historia cobre vida para tus lectores. Trata de incorporar la mayor cantidad de detalles sensoriales que puedas de modo que los lectores tengan una idea real de lo que tus personajes experimentan y de cómo es tu mundo ficticio.

Obviamente, será bueno que incluyas imágenes y sonidos de dicho mundo, pero no te olvides de sus olores, sabores y sensaciones táctiles.

d) El desenlace, en el que se resuelve completamente la tensión, es esencial para hacer que la historia avance hacia su final lógico.

Termina la historia en un punto lógico. No alargues la historia por capítulos y capítulos una vez que la tensión esté resuelta, pero tampoco te apures en terminar. Decide en qué parte debe terminar la historia de manera lógica teniendo en cuento lo que quizás los lectores quieran saber sobre los personajes uno o dos capítulos después de la resolución de la tensión.

Asegúrate de que los personajes resuelvan sus conflictos. No trates de que la naturaleza, un nuevo personaje o algún elemento divino arregle todos los conflictos o los lectores perderán interés rápidamente.

Si tu historia es parte de una saga más extensa, tendrás que equilibrar un final lógico para esta historia y una pista sobre lo que ocurrirá en la siguiente.

Si tu historia es una sola obra de ficción, piensa en las preguntas que quedarán pendientes después de que la tensión concluya. Piensa en lo que les pasará a los personajes principales, así como en lo que podría pasarle al mundo que has creado después de que el conflicto central se haya resuelto.

5. Dale un título a tu historia que haga que las personas sientan curiosidad de leer todo el libro, y

asegúrate de tener una introducción interesante que haga que los lectores quieran leer más.

MICROCUENTO EJEMPLOS:

http://www.materialesdelengua.org/LITERATURA/TEXTOS_LITERARIOS/CUENTOS/microcuentos.htm

https://www.google.es/search?q=microcuentos+rene+merino&rls=com.microsoft:es-419&ie=UTF-8&oe=UTF-8&startIndex=&startPage=1

TRABAJO 1: CREACIÓN DE PERSONAJES.

Primer trabajo:

Partiendo de 3 formas geométricas ( cuadrado, triángulo y círculo) dibujar 3 personajes diferentes, creando una personalidad para cada uno de ellos.

Dibújalo con 3 expresiones diferentes y diferentes gestos.

TEORIA.

De entre todos los elementos que conforman una novela son los personajes los que, en muchas ocasiones, hacen que esta enganche o, en caso contrario, que le de al lector igual si el personaje principal conseguirá llevar el anillo al monte del destino o si Lady Jane resulta ser el conejo de Alicia. 

Lo primero que tenemos que evitar es esta pasividad del lector ante nuestros personajes. Los problemas de estos deben ser sus problemas. Si vuestros lectores de prueba os dicen que la historia no les enanchaba al punto de que mientras la leían no les importaba qué les iba a pasar a los personajes, no te lances a cambiar la historia, antes revisa los personajes.

Son varios los consejos que se pueden tener en cuenta desde el primer momento en que comienza la creación del personaje.

 Lo primero que se requiere para crear un personaje no es el material con el cual dibujar, si no la imaginación. Antes de empezar se requiere hacer un brain storm, una tormenta de ideas para darse una buena idea de lo que se quiere llegar a dibujar.

Después limitar esas ideas empezando a bocetar el personaje. (Los bocetos no requieren de trazos precisos o estilizados, ya que es simplemente un borrador.) Uno mismo podrá observar como el personaje cobra vida por si mismo, una ves terminado el boceto se puede realizar un dibujo en limpio de diferentes maneras, entintando el boceto sobre las líneas o usando el boceto como base para hacer el dibujo desde cero.  Una ves que se tenga el dibujo final se puede empezar a dibujar al personaje en diferentes ángulos y  perspectivas. 

CONSEJOS:

Iniciales diferentes en los nombres. Malcom, Matt, Mark y Mike fueron a pescar. Dos páginas después vuelven todos menos uno, que se ha ahogado, pero el lector no tiene ni remota idea de quién es quién. Procura evitar utilizar la misma inicial para varios personajes, idealmente para ningún personaje de tu novela, pero al menos no para los que más veces van a aparecer.

CREACIÓN DE PERSONAJES PARA ILUSTRACIÓN Y DIBUJO de Fundación Universitaria del AREA ANDINA

Ideas de ilustración de personajes:

https://www.notodoanimacion.es/principios-del-diseno-de-personajes/

https://www.arteneo.com/blog/creacion-de-personajes-aprender-curso-madrid/

https://es.pinterest.com/explore/ilustraci%C3%B3n-de-personajes/?lp=true

Bienvenidos.

Iniciamos un nuevo curso con asignatura Comunicación Audiovisual de 3º de ESO.

En este primer trimestre nos adentraremos en los lenguajes audiovisuales, y nos centraremos en el lenguaje cinematográfico y su narrativa. 

El correo de la asignatura es: mvictoria.carpena2@murciaeduca . es

UTILIZAREMOS CLASSROOM para la entrega de trabajos.

EL CÓDIGO DE LA ASIGNATURA ES: dahxyzh 

OS TENÉIS QUE APUNTAR TODOS A LAS CLASES.

1º TRABAJO: DESPERTANDO LA IMAGINACIÓN.

Buenos días, la primera actividad de este curso nos ayudará a despertar la creatividad.

La creatividad aflora cuando sales de la zona de confort y aprendes y pones en práctica cosas nuevas, que traerán nuevas ideas y ocurrencias aparejadas.

http://www.christiandve.com/2017/03/creatividad-como-ser-creativo-potenciar-desarrollar/

1º ACTIVIDAD: DESPERTANDO LA IMAGINACIÓN 

Utiliza una hoja o cartulina A3 para hacer EL EJERCICIO que se muestra en el vídeo, QUE CONSISTE EN LA CREACIÓN DE UN GARABATO EN LÁPIZ Y A PARTIR DE ÉL, BUSCAR FORMAS QUE SEAN RECONOCIBLES Y MARCARLAS EN BOLÍGRAFO.

Hacer dibujos sin un formato en concreto, de manera libre, (Doodles, en inglés, pero no tienen nada que ver con Google) puede ayudar a mejorar la concentración, la retentiva hasta un 29 % más y la memoria, así como a estar en el momento presente,

EL SEGUNDO EJERCICIO: Haz y practica el ejercicio de los círculos SE CREARA A PARTIR DE UNA PLANTILLA.

La idea es dibujar en un papel círculos y luego, intentar transformar tantos como puedas en algún objeto.

Parece sencillo pero no lo es. De hecho, es complicado las primeras veces, pero cuanto más se practica, más fácil resulta completarlos.

Es importante no guiarse solo por la memoria.

Recordemos que es para potenciar la creatividad, no la memoria.

ESTO SON ALGUNOS EJEMPLOS:

Plantillas:

OTRAS FORMAS DE POTENCIAR TU CREATIVIDAD:

https://www.domestika.org/es/blog/2128-tecnicas-de-dibujo-para-despertar-la-creatividad

https://www.domestika.org/es/blog/2054-3-retos-para-desbloquear-la-creatividad-en-tu-ilustracion

https://blogs.ucontinental.edu.pe/10-ejercicios-debes-practicar-desarrollar-creatividad/temas/vida-universitaria/